Allegro cromático es una pieza creada con piano digital, y ampliada posteriormente a formato audiovisual. Es la primera de una serie de 7 piezas, reunidas en una obra que recibe el nombre genérico de Piano suite. En cuando a su dimensión sonora, se trata de una pieza creada utilizando un material muy limitado de manera consciente; repetitiva y percutiva, simple en su obstinado optimismo. Su carácter vivo, alegre y vitalista, depende en gran medida de su ritmo, incisivo y reiterativo. En su segunda sección, el sonido del piano se transmuta en una especie de pizzicato que colorea la textura interna de las voces, enriqueciéndola en una especie de reverberación irisada. El video está creado enteramente con imágenes realizadas ex profeso para la música, primero dibujadas manualmente en tableta, una a una, y después compuestas, reelaboradas y sincronizadas con la música. La intención fue intensificar las potenciales sugerencias sinestésicas de la pieza sonora, haciendo visible su cromático sonar, y traducir rítmicamente la parte visual, para crear una suerte de simbiosis, de danza visual y balanceo sonoro directo y rotundo en su erotismo sensorial.
Pedro Linde 2022
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
«Diatriba» es la 2ª pieza de las 7 que conforman «Piano álbum». Es una obra en forma dialogada en la que dos obstinados interlocutores exponen sus sonoros argumentos contrastando de manera radical. El primer personaje sonoro se expresa de manera muy rítmica en el registro grave, a través de una percutividad un tanto tosca, brutalista y machacona. El segundo interlocutor sonoro le contesta en el registro medio y agudo en un lenguaje más líquido y fantasioso, resultado de la superposición de varias capas de pianos sometidos a diferentes procesos de deformación, entre los que destaca una dinámica desafinación controlada, que contribuye a crear una atmósfera de irrealidad onírica. Desde el punto de vista visual, también se van alternando dos campos visuales contrastantes basados en sendas grabaciones de campo. A esta base visual he añadido algunos elementos ya icónicos extraídos de algunas obras de René Magritte, manipulados y resemantizados como personajes de una trama narrativa visual que se desarrolla en una atmósfera un tanto misteriosa, surreal.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
En camino es la 3ª de una serie de 7 piezas para piano digital, agrupadas bajo el título de Piano álbum. Se trata de una pieza vitalista, cargada de una energía rítmica que se proyecta como una flecha sonora hacia adelante, de manera desenfadada, sin ninguna intención intelectual, desacomplejadamente sencilla en su directa expresión de una extrovertida alegría de sonar.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Oir llover I es una pieza creada con piano digital, y ampliada posteriormente a formato audiovisual. Forma parte de una serie de piezas reunidas bajo el nombre genérico de Piano suite. Desde el punto de vista musical, se trata de una pieza creada a partir de un material muy simple, sometido a un proceso de variación continua, de tal forma que el fluido sonoro es siempre el mismo y a la vez diferente, una especie de monótona melopea indiferente al cambio, aunque sometida a una sutil evolución continua. A partir del segundo 41, el sobrio material expuesto al principio se expande polifónicamente con las ondas invertidas del mismo material, que agregan un color diferente al conjunto, como si el rayo de luz sonora inicial se hubiera difractado en múltiples haces de filamentos sonoros iridiscentes. En su estudiada monotonía, la variación continua del mismo material no pretende ningún contraste ni acontecimiento dramático, sino un puro fluir contemplativo que encuentra su correlato ideal en una danza imaginada de movimientos continuos y regulares. El título hace alusión a una anécdota personal como profesor de improvisación al piano. Realizando una improvisación libre al piano como ejemplificación de esta práctica, al acabar pedí al alumno que describiera con unas palabras la sensación ante la escucha de la pieza, y me respondió diciendo que la sensación que le había producido podía compararse a la de “oir llover”. Esta actitud poéticamente contemplativa es la que me llevó a realizar esta otra pieza que aquí presento. El video está creado enteramente con imágenes realizadas ex profeso para la música, compuestas, reelaboradas y sincronizadas con el sonido. No hay intención descriptiva ninguna en el sentido naturalista en relación al título que sugiere la obra, sino más bien, un fluido de imágenes que, a manera de un friso ininterrumpido, van pasando por delante de nuestros ojos sin estridencias ni contrastes, como si estuviéramos delante de una ventana imaginaria a través de la cual miramos con el único objeto de mirar.
Pedro Linde 2022
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Oír llover II es una pieza creada con piano digital, y ampliada posteriormente a formato audiovisual. Forma parte de una serie de piezas reunidas bajo el nombre genérico de Piano álbum. Desde el punto de vista musical, al igual que su homónima, Oír llover I, se trata de una pieza creada a partir de un material muy simple, sometido a un proceso de variación continua, de tal forma que el fluido sonoro es siempre el mismo y a la vez diferente, una especie de monótona melopea indiferente al cambio, aunque sometida a una sutil evolución continua. Oír llover II es una variación de la I, y también se diferencia de ésta en que al sonido del piano digital usado, no se le ha añadido ningún efecto de edición sonora, como sí se hizo con Oír llover I. Como en su versión I, la pieza transcurre con estudiada monotonía; la variación continua del mismo material no pretende ningún contraste ni acontecimiento dramático, sino un puro fluir contemplativo que encuentra su correlato ideal en una danza imaginada de movimientos continuos y regulares. La actitud contemplativa del acto de oír llover es la sustancia poética que alimenta el devenir musical de estas dos piezas, pero renunciando a cualquier tipo de representación naturalista del fenómeno físico, tanto a nivel sonoro como visual. En vez de ello, este discurrir intenta transmitir un estado de ánimo que transita sin estridencias por paisajes interiores leve pero sutilmente coloreados, como si estuviéramos delante de una ventana imaginaria a través de la cual miramos con el único objeto de mirar. El video está creado enteramente con imágenes realizadas ex profeso para la música, compuestas, reelaboradas y sincronizadas con el sonido.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Las iluminaciones son dos piezas creadas con piano digital. La segunda de ellas es la que mostramos aquí, en formato audiovisual. Ocupa el último lugar de una serie de 7 piezas que recibe el nombre genérico de Piano álbum. Técnicamente está construida a partir de módulos repetitivos intercambiables que combinan dos secciones que se alternan siempre de manera variada. Por su estructura de variación continua, estas piezas podrían visualizarse a la manera de uróboros o cinta de Moebius que podría transitarse hasta el infinito sin solución de continuidad. La temporalidad que refleja es la de los sueños, o sea, un tiempo suspendido que puede dilatarse y contraerse en la psique del escucha desafiando la linealidad habitual de la conciencia temporal cotidiana. Estéticamente, las imágenes que sugiere esta música (para mí, y, por tanto, desde un punto de vista subjetivo), son las de paisajes metafísicos, arquitecturas sumergidas, fluidos que se elevan a borbotones, materias en procesos de formación, irradiaciones misteriosas de sustancias informes en procesos de cristalización, procesos de vulcanología onírica aural… Las imágenes creadas y sincronizadas exprofeso para el video que aquí mostramos responden a esa estética, o al menos, eso pretenden, llevando al plano visual una interpretación de las sugerencias que pueden emanar del devenir sonoro de “Las iluminaciones II”.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Piano álbum es el nombre genérico de una colección de 7 piezas para piano digital sometido a diferentes procesos de edición. Las piezas son:
Allegro cromático (4:18) Diatriba (4:29) En camino (3:46) Oir llover I (6:09) Las Iluminaciones I (6:01) Oir llover II (7:36) Las Iluminaciones II (10:48)
Todas ellas suman una duración total de 41:87
Allegro cromático es una pieza creada utilizando un material muy limitado de manera consciente; repetitiva y percutiva, simple en su obstinado optimismo. Su carácter vivo, alegre y vitalista, depende en gran medida de su ritmo, incisivo y reiterativo.
Diatriba es una obra en forma dialogada en la que dos obstinados interlocutores exponen sus sonoros argumentos contrastando de manera radical.
En camino es una pieza vitalista, cargada de una energía rítmica que se proyecta como una flecha sonora hacia adelante, de manera desenfadada, sin ninguna intención intelectual, desacomplejadamente convencional en su directa expresión de una extrovertida alegría de sonar.
Oir llover I es una obra creada a partir de un material muy simple, sometido a un proceso de variación continua, de tal forma que el fluido sonoro es siempre el mismo y a la vez diferente, una especie de monótona melopea indiferente al cambio, aunque sometida a una sutil evolución continua.
Oir llover II es una variación de la primera, aunque mejor podría definirse simplemente como una continuación.
Las Iluminacionesson dos piezas gemelas que, por su estructura de variación continua, podrían visualizarse a la manera de uróboros o cinta de Moebius que podría transitarse hasta el infinito sin solución de continuidad. La temporalidad que reflejan es la de los sueños, o sea, un tiempo suspendido que puede dilatarse y contraerse en la psique del escucha desafiando la linealidad habitual de la conciencia temporal cotidiana.
Las 7 piezas forman un ciclo que refleja una combinación heterodoxa de registros sonoros que reflejan a su vez una panoplia de estados de ánimo variados, que van desde la alegría y el optimismo vitalista hasta otros de sesgo más introvertido, de una coloración más meditativa, así como registros un tanto misteriosos de resonancias metafísicas.
Los estilos convocados también son heterodoxos, y van transitando desde un minimalismo poco ortodoxo a un difuso impresionismo y una tendencia a la simplicidad como expresión directa y sincera de emociones simples. El lenguaje musical que vehicula dichos estilos no es fruto de indagaciones vanguardistas, sino que, en su aceptada convencionalidad cuasi tonal, se pone al servicio de esa expresividad directa citada anteriormente. Los elementos que manifiestan un mayor grado de originalidad en estas piezas están ocultos bajo la capa de convencionalidad externa, y se relacionan con diferentes procesos de edición y mezcla que hacen que estas obras no se definan tanto como obras para piano, sino, más bien, como piezas electrónicas que usan como instrumento principal el piano digital.
Pedro Linde 2023
Piano album is the generic name of a collection of 7 pieces for digital piano subjected to different editing processes. The pieces are: Allegro cromático (4:18) Diatriba (4:29) On my way (3:46) Oir llover I (6:09) Las Iluminaciones I (6:01) Oir llover II (7:36) Las Iluminaciones II (10:48) All of them have a total duration of 41:87. Allegro cromáticois a piece consciously created using a very limited material; repetitive and percussive, simple in its dogged optimism. Its lively, happy and vital character depends to a large extent on its incisive and repetitive rhythm. Diatribais a work in dialogue form in which two obstinate interlocutors present their resounding arguments in radical contrast. En caminois a vitalist piece, charged with rhythmic energy that is projected forward like a sonorous arrow, in a casual way, without any intellectual intention, uncomplicatedly conventional in its direct expression of an extroverted joy of sounding. Oir llover I is a work created from a very simple material, subjected to a process of continuous variation, in such a way that the sound flow is always the same and at the same time different, a kind of monotonous melopea indifferent to change, although subject to to a subtle continuous evolution. Oir llover II is a variation on the first, although it could best be defined simply as a continuation. Las iluminaciones are two twin pieces that, due to their continuously variable structure, could be visualized in the manner of ouroboros or Moebius strip that could be moved to infinity without a solution of continuity. The temporality they reflect is that of dreams, that is, a suspended time that can expand and contract in the listener’s psyche, challenging the usual linearity of everyday temporal awareness. The 7 pieces form a cycle that reflects a heterodox combination of sound registers that in turn reflect a panoply of varied moods, ranging from joy and vital optimism to others with a more introverted bias, with a more meditative coloration, as well as as somewhat mysterious records of metaphysical resonances. The summoned styles are also heterodox, and they go from an unorthodox minimalism to a diffuse impressionism and a tendency towards simplicity as a direct and sincere expression of simple emotions. The musical language that conveys these styles is not the result of avant-garde investigations, but rather, in its accepted quasi-tonal conventionality, it is put at the service of that direct expressiveness mentioned above. The elements that manifest a greater degree of originality in these pieces are hidden under the layer of external conventionality, and are related to different editing and mixing processes that mean that these works are not defined so much as works for piano, but rather as works for piano. as electronic pieces that use the digital piano as the main instrument.
“Las ciudades invisibles” es una videocreación que utiliza como hilo conductor la narración de los 5 primeros capítulos de la obra homónima de Italo Calvino, los correspondientes a las ciudades imaginarias de Diomira, Isadora, Dorotea, Zaira y Anastasia. Dicha alocución, a cargo de Sara Missaglia, va acompañada de la correspondiente narración visual y musical, compuestas ambas por Pedro Linde para la ocasión.
“The mask of the red death” es un audio-relato construido a partir del cuento homónimo de E.A. Poe. Para ello hemos contado con la grabación que generosamente nos ha cedido el autor de dicha locución, Chuck Brown, realizada en 2008.
La obra en su formato de audio está hecha con la referida locución del texto en su lengua original (inglés), sometida a diferentes procesos de edición, y la música que lo acompaña, compuesta al efecto utilizando diferentes recursos electroacústicos.
Aunque la obra fue concebida originalmente en formato audio, y es, por tanto, autosuficiente en dicho formato, presentamos esta versión en video con subtítulos, para favorecer la comprensión del texto en el caso de receptores no angloparlantes.
The work we present is an audio-story built from the homonymous story of E.A. Poe. For this we have counted on the recording that has generously given us the author of said speech, Chuck Brown, made in 2008.
The work in its audio format is made with the aforementioned speech of the text in its original language (English), subjected to different editing processes, and the accompanying music, composed of the effect using different electroacoustic resources.
Although the work was originally conceived in audio format, and it is, therefore, self-sufficient in said format, we present this video version with subtitles, to favor the understanding of the text in the case of non-English spearings.
Duración: 27:52 min.
Relato: Edgar Allan Poe. Publicado por 1ª vez en 1842.
Rayuela 68 es una obra basada en el audio de la lectura que el propio Julio Cortázar hiciera de este capítulo de su novela. En su formato sonoro, se trata del propio audio de Cortázar mas la estructura musical con la que dialoga, creada a partir del uso de diferentes sintetizadores. En su formato audiovisual, la pieza musical está acompañada por imágenes de diferentes fuentes compuestas a modo de collage.
Se ha respetado el texto íntegro, pero trastocando el orden original de las frases por otro nacido de una de las permutaciones azarosas a las que fue sometido, con el objeto de potenciar sus posibilidades polisémicas, y siguiendo uno de los recursos más apreciados de la técnica cortazariana, consitente en su propuesta, explícita en Rayuela, de poder leer el texto en diferentes combinaciones de capítulos.
Esta apertura de sentido por permutación del orden resulta amplificada en el caso del capítulo que nos ocupa, por la propia naturaleza del texto, consistente en el uso de un vocabulario de términos inventados por el autor, que sin embargo, se articulan de manera lógica en la estructura sintáctica del idioma. El uso de dichos términos inventados destruyen por una parte la interpretación unívoca de su sentido, poniendo en manos de la imaginación del receptor las infinitas posibilidades semánticas que cada cual puede imaginar en función del poder de sugerencia del texto, de las sutiles analogías que cada cual puede establecer en función de sus experiencias personales, etc. , eso si, dentro del contexto semántico de carácter erótico que emana del propio texto.
La parte sonora hace un uso abundante de deslizamientos de frecuencia, en consonancia con la labilidad del texto, así como de múltiples recursos de color sonoro, también relacionados con la riqueza de colores fonéticos con los que está configurado el texto. Las sorpresas sonoras en la articulación formal están relacionadas a su vez, con la sorpresa y el asombro que producen determinadas combinaciones textuales en el fluir de este torrencial, vitriólico, volcánico e hiperbarroco discurso, preñado en su ambiguo sentido, de tantas sugerencias como receptores tenga la obra.
Rondó roto se abre con un diálogo de motivos sencillos que se van alternando en el piano, a modo de preguntas, sobre una base electrónica que sugiere un paisaje sonoro acidulado. Tras escucharse una especie de llamada en tonos agudos, empieza a latir una percusión grave como los pulsos de un corazón, sobre los que emerge una masa de voces fantasmagóricas que entonan una letanía que se envuelve en las brumas de su niebla metafísica (el humo del “Fumeux fume”) . Una marea sonora de una labilidad deletérea que va derramando sus cromosomas cromáticos por un abismo del tiempo que conecta las delicuescencias experimentales del Ars Subtilior con el tiempo presente y sus futuras resonancias en el laberinto del tiempo.
Vuelve el piano en su 2ª intervención, ahora con un carácter más meditabundo, en repetitiva secuencia rítmica y minimalista sucesión armónica, sobre un fondo de cristal sonoro molido, con sugerencias metafóricas de un cosmos resonante donde la presencia humana representada por el piano se pierde en su insignificancia ontológica. Un interludio reflexivo que vuelve a dejar paso a la fantasmática amalgama de voces góticas transfiguradas de la sección vocal que representa el estribillo de la pieza.
Regresa, por último, la presencia del piano en su tercera intervención, primero en forma de obsesiva repetición rítmico-armónica que recuerda su segunda intervención, y por último, mutando en una especie de progresión ascendente que representa la dirección de una voluntad, una voluntad anhelante que sube la temperatura emocional del canto pianístico como si con ello pudiera alcanzar la cima de alguna respuesta. Los cuatro acordes finales, en perfecta soledad, suenan a otras tantas campanadas que sólo encuentran el sentido, o el abandono resignado de su búsqueda, en el recogimiento del lugar más apartado de la intimidad.
Pedro Linde, Octubre de 2020
Rondo roto opens with a dialogue of simple motifs that alternate on the piano, like questions, on an electronic basis that suggests an acidulous soundscape. After hearing a kind of high-pitched call, a low percussion begins to beat like the pulses of a heart, over which a mass of phantasmagoric voices emerge, singing a litany that is enveloped in the mists of its metaphysical fog (the «Fumeux fume»). A sound tide of deleterious lability that spills its chromatic chromosomes through an abyss of time that connects the experimental deliquescences of the Ars Subtilior with the present time and its future resonances in the labyrinth of time. The piano returns in its 2nd intervention, now with a more meditative character, in a repetitive rhythmic sequence and minimalist harmonic succession, on a background of ground sound glass, with metaphorical suggestions of a resonant cosmos where the human presence represented by the piano is lost in its ontological insignificance. A reflective interlude that once again gives way to the ghostly amalgam of transfigured Gothic voices of the vocal section that represents the chorus of the piece. Finally, the presence of the piano returns in its third intervention, first in the form of an obsessive rhythmic-harmonic repetition that recalls its second intervention, and finally, mutating in a kind of ascending progression that represents the direction of a will, a will. yearning that raises the emotional temperature of piano singing as if it could reach the peak of some response. The final four chords, in perfect solitude, sound like so many bells that only find meaning, or the resigned abandonment of their search, in the seclusion of the most remote place of privacy.
“Manifiesto Molinetti” es una pieza sonora, ahora editada en vídeo, creada como homenaje a tres personajes vinculados por su desempeño musical y por su apellido: Miguel de Molina, Antonio Molina, y Miguel Molina Alarcón, los dos primeros, icónicos cantantes de los años 50 y 60, y el tercero de ellos, catedrático de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia e infatigable investigador musical especializado en las vanguardias.
La obra está compuesta con la técnica de collage a partir de múltiples fragmentos relacionados con el objeto de estudio preferente de Miguel Molina Alarcón, con fragmentos canoros de los Molina cantantes, modificados y superpuestos, mas aportaciones sonoras propias (sintetizadores y samples diversos).
Teniendo en cuenta que el principal objeto de estudio de Miguel Molina Alarcón son las vanguardias musicales y artísticas de las primeras décadas del pasado siglo, y muy especialmente la investigación de los inventos e innovaciones sonoras de Juan García Castillejo, la paleta sonora seleccionada para dar forma a este proyecto ilustra un paisaje sonoro que se inicia con el ambiente de locura caliginosa de un Gómez de la Serna y sus lisérgicas galleras. A ello se suman las voces de los dos emblemáticos cantaores de coplas que comparten apellido Molina, y que representan las dos caras de la difusión musical popular en la España de posguerra: la exitosa por virtuosística en sus almibarados y barrocos melismas canoros de Antonio Molina, asimilado por el régimen y el gusto popular, y la cara B representada por Miguel de Molina, voz de dramáticos tintes que refleja la amargura de la exclusión, la persecución y el exilio forzoso.
El Electrocompositor del cura Castillejo no podía dejar de estar presente, sirviendo como modelo procesual en el propio procedimiento compositivo, y también concretamente a través de un triteclado creado al efecto para esta obra. Fragmentos de la “Ur Sonate” de Switters puntúan diferentes momentos de la pieza con su dadaística incisión junto a las algaradas del monólogo “La mano”, del citado Gómez de la Serna. A ello hay que sumarle las sinuosidades sónicas del Theremín, tan en boga en la época, junto a algunos fragmentos de publicidad que circulaban por la radio; intervenciones ruidistas y máquinas de escribir de resonancia surrealista así como otros objetos sonoros encontrados, completan este delirante palimsesto que pretende ser una píldora concentrada con el sabor agridulce de una época pasada que, sin embargo, sigue nutriendo a la nuestra con tan especiados nutrientes.
Pedro Linde, Málaga 2020.
“Manifesto Molinetti” is a sound piece, now edited on video, created as a tribute to three characters linked by their musical performance and their surname: Miguel de Molina, Antonio Molina, and Miguel Molina Alarcón, the first two, iconic singers of the 50s and 60s, and the third of them, Professor of Fine Arts at the Polytechnic University of Valencia and tireless music researcher specialized in the avant-garde. The work is composed with the collage technique from multiple fragments related to Miguel Molina Alarcón’s preferred object of study, with singing fragments of the singing, modified and superimposed Molina, plus his own sound contributions (synthesizers and various samples). Taking into account that the main object of study of Miguel Molina Alarcón are the musical and artistic avant-gardes of the first decades of the last century, and most especially the investigation of the inventions and sound innovations of Juan García Castillejo, the sound palette selected to shape this project illustrates a soundscape that begins with the environment of caliginous madness of a Gómez de la Serna and his lysergic roosters . Added to this are the voices of the two emblematic singer-songwriters who share the last name Molina, and who represent the two faces of popular musical diffusion in post-war Spain: the successful virtuosity in its syrupy and baroque melismas of songs by Antonio Molina, assimilated by the regime and popular taste, and side B represented by Miguel de Molina, a voice with dramatic overtones that reflects the bitterness of exclusion, persecution and forced exile. The Electrocompositor of the priest Castillejo could not stop being present, serving as a procedural model in the compositional procedure itself, and also specifically through a multiple keyboard created for this purpose for this work. Excerpts from Swit’s “Ur Sonate” punctuate different moments of the piece with its dadaistic incision together with the racket of the monologue “La mano”, by the aforementioned Gómez de la Serna. To this we must add the sonic sinuosities of the Theremin, so in vogue at the time, along with some fragments of publicity that were circulating on the radio; Noisy interventions and surreal resonance typewriters, as well as other found sound objects, complete this delirious palimsesto that pretends to be a concentrated pill with the bittersweet flavor of a bygone era that, however, continues to nourish ours with such spicy nutrients.
El reciente proyecto de Pedro Linde, «Lizard king poems» acaba de ser publicado en el nuevo netlabel FORTÍN SONORO, dirigido por Sarah Vacher, siendo éste su primer registro sonoro. A continuación ponemos el enlace donde se aloja el proyecto completo:
Pedro Linde’s recent project, «Lizard king poems» has just been published in the new netlabel FORTÍN SONORO, directed by Sarah Vacher, this being his first sound record.
El viento de Béla Tarr es una obra que en su dimensión sonora utiliza un texto recitado en la película «The Turin horse», del cineasta húngaro B. Tarr, como base para una composición musical creada al efecto.
En cuanto a la dimensión visual, la obra está basada en un único plano fijo tomado de la película y elongado hasta alcanzar la duración total de esta pieza (3:10).
Pedro Linde, Mayo de 2020.
Texto:
La tormenta sigue rugiendo con fuerza en el exterior,
el viento sigue barriendo sin descanso el lugar en la misma dirección,
pero ahora definitivamente no queda nada que se interponga en su camino.
Sólo el polvo avanza en una gran nube,
el polvo seco levantado por el viento
y la devastadora nada empujada por él con furia desenfrenada
sobre la tierra yerma.
Béla Tarr’s The Wind is a work that in its sonorous dimension uses a text recited in the film «The Turin horse», by the Hungarian filmmaker B. Tarr, as the basis for a musical composition created for this purpose.
Regarding the visual dimension, the work is based on a single fixed shot taken from the film and elongated until the total duration of this piece is reached (3:10).
Pedro Linde, May 2020.
Text:
The storm continues to roar loudly outside,
the wind continues to sweep the place relentlessly in the same direction,
but now there is definitely nothing left to stand in your way.
Only the dust advances in a great cloud,
the dry dust raised by the wind
and the devastating nothing pushed by him with unbridled fury
«Lizard king poems» es una obra realizada con medios electroacústicos basada en la grabación histórica que Jim Morrison realizó a partir de una selección de sus poemas, en Los Angeles / Febrero del 69. La obra tiene una duración de 38 minutos, y está articulada en 10 secciones. El presente video es el quinto y último de una serie de teasers que anticipan la presentación de la obra completa.
Pedro Linde, Abril 2020.
«Lizard king poems» is an electroacoustic work based on the historical recording that Jim Morrison made from a selection of his poems, in Los Angeles / February 69. The work lasts 38 minutes, and is articulated in 10 sections. This video is the fifth and last in a series of teasers that anticipate the presentation of the complete work.
«Lizard king poems» es una obra realizada con medios electroacústicos basada en la grabación histórica que Jim Morrison realizó a partir de una selección de sus poemas, en Los Angeles / Febrero del 69. La obra tiene una duración de 38 minutos, y está articulada en 10 secciones. El presente video es el cuarto de una serie de teasers que anticipan la presentación de la obra completa.
El montaje visual esta compuesto a partir de grabaciones de happenings y reuniones en The Factory de Andy Warhol, especialmente aquellas en las que aparece Nico, por la corta pero intensa relación que mantuvo con Jim Morrison.
Pedro Linde, Abril 2020.
«Lizard king poems» is an electroacoustic work based on the historical recording that Jim Morrison made from a selection of his poems, in Los Angeles / February 69. The work lasts 38 minutes, and is articulated in 10 sections. This video is the fourth in a series of teasers that they anticipate the presentation of the complete work.
The visual montage is made up of recordings of happenings and meetings in Andy Warhol’s The Factory, especially those in which Nico appears, by the short but intense relationship she had with Jim Morrison.
«Lizard king poems» es una obra realizada con medios electroacústicos basada en la grabación histórica que Jim Morrison realizó a partir de una selección de sus poemas, en Los Angeles / Febrero del 69. La obra tiene una duración de 38 minutos, y está articulada en 10 secciones. El presente video es el segundo de una serie de teasers que anticipan la presentación de la obra completa.
Las imágenes son de archivo, y fueron tomadas el mismo año del recital poético (1969), en el contexto de la misión espacial del Apollo 10.
Pedro Linde, Abril 2020.
«Lizard king poems» is an electroacoustic work based on the historical recording that Jim Morrison made from a selection of his poems, in Los Angeles / February 69. The work lasts 38 minutes, and is articulated in 10 sections. This video is the second in a series of teasers that they anticipate the presentation of the complete work.
The images are from the archive, and were taken the same year of the poetic recital (1969), in the context of the Apollo 10 space mission.
Manifiesto Molinetti es una pieza elaborada a modo de collage, utilizando material sonoro procedente de dos de los homenajeados Molina (Antonio y Miguel de), mas sugerencias sonoras y conceptuales de un tercero, Miguel Molina, Catedrático de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Esta pieza fue creada por convocatoria de la AMEE (Asociación Española de Música Electroacústica y Arte Sonoro), como homenaje al último citado. Teniendo en cuenta que el principal objeto de estudio de Miguel Molina son las vanguardias musicales y artísticas de las primeras décadas del pasado siglo, y muy especialmente la investigación de las innovaciones sonoras de Juan García Castillejo, la paleta sonora seleccionada para dar forma a este proyecto ilustra un paisaje sonoro que se inicia con el ambiente de locura caliginosa de un Gómez de la Serna y sus gallos de siestas lisérgicas. A ello se suman las voces de los dos emblemáticos cantaores de coplas que comparten apellido Molina, y que representan las dos caras de la difusión musical popular en la España de posguerra: la exitosa por virtuosística en sus almibarados y barrocos melismas canoros de Antonio Molina, asimilado por el régimen y el gusto popular, y la cara B representada por Miguel de Molina, voz de dramáticos tintes que refleja la amargura de la exclusión, la persecución y el exilio forzoso.
El Electrocompositor del cura Castillejo no podía dejar de estar presente, sirviendo como modelo procesual en el propio procedimiento compositivo, y también concretamente a través de un triteclado creado al efecto para esta obra. Fragmentos de la “Ur Sonate” de Switters puntúan diferentes momentos de la pieza con su dadaística incisión junto a las algaradas del monólogo “La mano”, del citado Gómez de la Serna. A ello hay que sumarle las sinusoidades canoras del Theremín, tan en boga en la época, junto a algunos fragmentos de publicidad que circulaban por la radio; intervenciones ruidistas y máquinas de escribir de resonancia surrealista así como otros objetos sonoros encontrados, completan este delirante palimsesto sonoro que pretende ser una píldora concentrada con el sabor agridulce de una época pasada que, sin embargo, sigue nutriendo a la nuestra con tan especiados nutrientes.
Manifesto Molinetti is a piece created as a collage, using sound material from two of the honorees Molina (Antonio and Miguel de), plus sound and conceptual suggestions from a third, Miguel Molina, Professor of Fine Arts at the Polytechnic University of Valencia . This piece was created by the AMEE (Spanish Association of Electroacoustic Music and Sound Art), as a tribute to the last mentioned. Bearing in mind that the main object of study of Miguel Molina are the musical and artistic vanguards of the first decades of the last century, and especially the investigation of the sound innovations of Juan García Castillejo, the sound palette selected to shape this project It illustrates a sound landscape that begins with the ambience of the madness of a Gomez de la Serna and his roosters of lysergic naps. To this the voices of the two emblematic cantaores de colas who share the last name Molina, and who represent the two faces of the popular musical diffusion in post-war Spain, are added: the successful one by virtuoso in his syrupy and baroque melodic melodies by Antonio Molina, assimilated by the regime and popular taste, and the B side represented by Miguel de Molina, voice of dramatic dyes that reflects the bitterness of exclusion, persecution and forced exile. The Electrocompositor of the priest Castillejo could not fail to be present, serving as a procedural model in the compositional process itself, and also specifically through a triteclado created for the purpose for this work. Fragments of the «Ur Sonate» by Switters punctuate different moments of the piece with his dadaistic incision next to the algaradas of the monologue «La mano», of the aforementioned Gómez de la Serna. To this we must add the sinusoidal songs of the Theremin, so in vogue at the time, along with some publicity fragments that circulated on the radio; noise interventions and surrealist resonance typewriters as well as other found sound objects, complete this delirious sound palimsesto that aims to be a concentrated pill with the bittersweet taste of a bygone era that, nevertheless, continues to nourish our own with such spicy nutrients.
El 5 de Marzo de 1968, John Cage y Marcel Duchamp llevan a cabo Reunión, una performance en la que el juego de ajedrez determinó la forma y el ambiente acústico de este acontecimiento. El concierto/performance se celebró en el Ryerson Theatre, Toronto, Canadá. Los intérpretes principales fueron John Cage, quien concibió la obra, Marcel Duchamp y su esposa Teeny. Cage fue derrotado por Duchamp en la primera media hora.
El tablero de ajedrez había sido equipado con micrófonos de contacto; cada vez que una pieza era movida, hacía sonar una gama de sonidos electrónicos amplificados e imágenes osciloscópicas en pantallas de televisión visibles para el público.
Partiendo de los antecedentes citados, he creado una pieza que evoca una virtual partida de ajedrez, en la que cada movimiento de ficha es representado por una intervención sonora. El canal izquierdo está representado por Duchamp, y el derecho por Cage. La pieza incorpora como elementos estructurales y simbólicos los silencios entre movimiento y movimiento de ficha, así como las manifestaciones de un público imaginario y los propios pasos de los jugadores entrando y saliendo de la sala (principio y fin de la obra).
La audición de la obra incorpora una presentación escénica con una mesa en el centro del escenario flanqueada por sendas sillas, cada una con la leyenda correspondiente (Mr. Duchamp -silla izquierda-, y Mr. Cage -derecha-). Sobre la mesa, un tablero de ajedrez con las fichas correspondientes. En la parte de cada contrincante hay un flexo que emite una luz parpadeante mientras suena la intervención sonora de cada uno.
La obra, en difusión cuadrafónica, fué estrenada en el Gabinete de Teatro del Palacio de la Madraza (Granada) formando parte del concieto que se ofreció en el contexto del simposio «Duchamp: 50 años de resonancias», organizado por la Universidad de Granada, con la colaboración de la Cátedra Manuel de Falla y la AMEE.
On March 5, 1968, John Cage and Marcel Duchamp held Réunion, a performance in which the game of chess determined the shape and the acoustic environment of this event. The concert / performance was held at the Ryerson Theater, Toronto, Canada. The main interpreters were John Cage, who conceived the work, Marcel Duchamp and his wife Teeny. Cage was defeated by Duchamp in the first half hour.
The chessboard had been equipped with contact microphones; each time a piece was moved, it played a range of amplified electronic sounds and oscilloscopic images on television screens visible to the public.
Starting from the aforementioned background, I created a piece that evokes a virtual game of chess, in which each card movement is represented by a sound intervention. The left channel is represented by Duchamp, and the right channel by Cage. The piece incorporates, as structural and symbolic elements, the silences between movement and movement of the sheet, as well as the manifestations of an imaginary audience and the own steps of the players entering and leaving the room (beginning and end of the work).
The audition of the work incorporates a scenic presentation with a table in the center of the stage flanked by two chairs, each with the corresponding legend (Mr. Duchamp-left chair-, and Mr. Cage -right-). On the table, a chess board with the corresponding chips. In the part of each opponent there is a flexo that emits a blinking light while the sound intervention of each one is played.
The work, in quadraphonic diffusion, was premiered in the Theater of the Palace of the Madraza (Granada) as part of the concert that was offered in the context of the symposium «Duchamp: 50 years of resonances», organized by the University of Granada, with the collaboration of the Manuel de Falla Chair and the AMEE.
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