Se trata de una obra puramente vocal en la que se van alternando un estribillo con varias estrofas.
El título viene sugerido por los cantos imaginarios de las vestales, guardianas del fuego sagrado en la antigua Roma.
El estribillo, rítmico y repetitivo va alternando, como un diálogo interno, con secciones en las que el canto se hace más difuso y ensoñador.
Esta música invita a evocar, desde un ángulo puramente imaginario, un ritual arcaico mediterráneo en el que la voz de las jóvenes vestales celebra la belleza, a través de la simplicidad y la inocencia.
Es la 6ª pieza del CD digital titulado «Archipiélago».
This is a purely vocal work in which a refrain alternates with several verses.
The title is suggested by the imagined chants of the Vestal Virgins, guardians of the sacred fire in ancient Rome.
The rhythmic and repetitive refrain alternates, like an internal dialogue, with sections in which the singing becomes more diffuse and dreamlike.
This music invites us to evoke, from a purely imaginative perspective, an archaic Mediterranean ritual in which the voices of the young Vestal Virgins celebrate beauty through simplicity and innocence.
It is the 6th track on the digital CD titled «Archipelago.»
Como su título indica, se trata de una obra en la que la percusión es el instrumento protagonista. Los sonidos percutivos son muestras de sonidos de boca amplificados y espacializados de manera muy intencional.
Tangana, en una de sus acepciones, significa alboroto, jaleo, usándose a veces con el sentido de fiesta.Tángana y tangana son equivalentes, formando las dos palabras del título una suerte de retruécano que contiene en su propio silabeo la vocación rítmica y percutiva de la pieza.
Dos planos sonoros se superponen contrastadamente; el ritmo percutivo de los sonidos de boca, de carácter lúdico y extrovertido, contrastando con un bajo que va elaborando un discurso más inquietante y oscuro, subrayado por las disonancias de 4ª aumentadas y las siempre lábiles escalas cromáticas.
Visualmente, la pieza está construida sobre la base de imágenes de muñecos de plástico y su proceso de construcción y ensamblaje industrial. La fría presentación de este contenido y su sincronización con el ritmo sonoro, le dan al conjunto un carácter siniestro e inquietante. Las posibles sugerencias críticas de tipo psicológico y/o antropológico-social, quedan discrecionalmente a cargo de la voluntad interpretativa del receptor.
Es la 3ª pieza del CD digital titulado «Archipiélago».
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As its title indicates, this is a work in which percussion is the main instrument. The percussive sounds are samples of mouth sounds, amplified and spatialized in a very intentional way.
Tangana, in one of its meanings, signifies commotion, uproar, sometimes used in the sense of a party. Tángana and tangana are equivalent, the two words of the title forming a kind of pun that contains within its very syllables the rhythmic and percussive vocation of the piece.
Two contrasting sonic planes overlap: the percussive rhythm of the mouth sounds, playful and extroverted, contrasts with a bass that develops a more unsettling and dark discourse, underscored by augmented fourth dissonances and the ever-present, fluid chromatic scales.
Visually, the piece is constructed from images of plastic dolls and their industrial manufacturing and assembly process. The cold presentation of this content and its synchronization with the sound rhythm lend the whole a sinister and unsettling character. Any potential critical suggestions of a psychological and/or socio-anthropological nature are left entirely to the listener’s interpretation.
This is the third track on the digital CD titled «Archipelago.»
Es una pieza musical de 4:20 de duración, realizada en 2025. Es la 2ª pieza del CD digital titulado «Archipiélago».
La base de la pieza en un piano digital al que se superponen unas voces que le hacen el contrapunto, mas unos sonidos atmosféricos que van elevando la intensidad del discurso sonoro llegando a su clímax en el último tercio, y desvaneciéndose hasta el final.
Tanto el piano como las voces se rigen por el principio compositivo de la repetición variada. El conjunto representa un fresco sonoro de estilo un tanto minimalista, en el que las dos principales fuentes sonoras evolucionan con sendos ostinatos de evolución continua.
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It is a 4:20-minute musical piece, created in 2025. It is the second track on the digital CD titled «Archipelago.»
The piece is based on a digital piano overlaid with counterpointing vocals and atmospheric sounds that gradually increase the intensity of the soundscape, reaching its climax in the final third and fading away at the end.
Both the piano and the vocals adhere to the compositional principle of varied repetition. The overall effect is a somewhat minimalist soundscape in which the two main sound sources evolve through continuous ostinatos.
Trastada sonovisual en la que un nutrido grupo de esperpentos y fantasmales presencias, desfilan al son delirante de una pianola que desenrolla su juvenil alfombra sonora ante las orejas anonadadas de un dadá, que suda lágrimas de patético placer ante el desfile insensato de semejante caravana de tarambanas. No pierdan la ocasión de disfrutar del esperpento, y afilen ojuelos y orejeras para disfrutar de esta suculenta casquería sensitiva. Salud!
Motu proprio es una expresión latina que significa movimiento propio. En este caso, pienso en esta locución como movimiento en el sentido de ritmo, pero también impulso, propulsión hacia adelante; y propio como personal, fruto de una búsqueda interior que ha dado como fruto estas 6 piezas musicales con movimiento propio, que se encadenan con eslabones singulares, formando un conjunto de variedad sonora tornasolada y multiforme. El proyecto se completa con la incorporación de video en algunas de ellas.
Cada pieza expresa un carácter propio e independiente, pero todas ellas forman, sin embargo, un organismo con extremidades complementarias que articulan un conjunto unificado. Cada obra está hecha con un instrumento diferente, aunque el piano digital participa en tres de ellas. Sus títulos dan una idea de esa variedad multiforme de la que hablamos:
1. Frontera de cristal. 5:38
2. Nereidas. 4:54
3. Motu proprio. 4:50
4. Podorozh. 3:17
5. Ama tu ritmo, Chiara. 10:19
6. Despedida. 4:52
La obra se completa con 5 entremeses greguescos que se intercalan a modo de polizones intempestivos entre pieza y pieza o entre vagón y vagón de este tren sonoro, aportando el desvarío que el instrumento electroacústico expresa desde su delirante y experimental atalaya.
Frontera de cristales una pieza que sugiere paisajes abiertos, atmosféricos; amplitudes oceánicas o celestes leídas como un texto sonoro puntuado rítmicamente por un bajo obstinado y pertinaz.
Nereidas envuelve oníricamente al escuchante con unas voces evocadoras de seducciones sensoriales atrapadas en la memoria del mito. Diosas protectoras de los pescadores, no buscan la perdición de éstos como las tóxicas sirenas, sino tan sólo embriagarlos seductoramente. Dedicada a Nerea.
Motu proprio es la pieza que da nombre al conjunto de la obra, y expresa sonoramente ese impulso interior de una voluntad en proceso de avance. Propulsada rítmicamente hacia adelante, no entiendo esta pieza si no está ligada a un movimiento de danza, real o imaginaria.
Podorozh es una pieza creada a partir del sonido del instrumento de origen ucraniano Bandura. La obra, quizás por su motricidad rítmica, me sugiere un viaje que se expresa a través de las cuerdas de la bandura, unas cuerdas que se tensan en una especie de anhelo de infinito. Un andante terso y fibroso que expresa una fuerza de empuje elemental. Podorozh significa viaje en ucraniano.
Ama tu ritmo, Chiara, es una pieza para pianos digitales superpuestos, cuyo título hace alusión al conocido y fascinante poema homónimo de Rubén Darío, más la dedicataria a Chiara. La obra nace así como una invitación a seguir un pulso rítmico propio, un ritmo vital que puede dar sentido a ese reto tan exigente del existir.
Despedida es, como su nombre indica, la última pieza de la serie. Está construida a partir de una serie de acordes pianísticos que se repiten de manera variada a lo largo de toda la obra, en un estilo minimalista sobrio, intimista y delicado. Al soliloquio pianístico inicial pronto se une una voz que va dialogando con el piano en los intersticios de silencio que este va dejando.
Allegro cromático es una pieza creada con piano digital, y ampliada posteriormente a formato audiovisual. Es la primera de una serie de 7 piezas, reunidas en una obra que recibe el nombre genérico de Piano suite. En cuando a su dimensión sonora, se trata de una pieza creada utilizando un material muy limitado de manera consciente; repetitiva y percutiva, simple en su obstinado optimismo. Su carácter vivo, alegre y vitalista, depende en gran medida de su ritmo, incisivo y reiterativo. En su segunda sección, el sonido del piano se transmuta en una especie de pizzicato que colorea la textura interna de las voces, enriqueciéndola en una especie de reverberación irisada. El video está creado enteramente con imágenes realizadas ex profeso para la música, primero dibujadas manualmente en tableta, una a una, y después compuestas, reelaboradas y sincronizadas con la música. La intención fue intensificar las potenciales sugerencias sinestésicas de la pieza sonora, haciendo visible su cromático sonar, y traducir rítmicamente la parte visual, para crear una suerte de simbiosis, de danza visual y balanceo sonoro directo y rotundo en su erotismo sensorial.
Pedro Linde 2022
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
«Diatriba» es la 2ª pieza de las 7 que conforman «Piano álbum». Es una obra en forma dialogada en la que dos obstinados interlocutores exponen sus sonoros argumentos contrastando de manera radical. El primer personaje sonoro se expresa de manera muy rítmica en el registro grave, a través de una percutividad un tanto tosca, brutalista y machacona. El segundo interlocutor sonoro le contesta en el registro medio y agudo en un lenguaje más líquido y fantasioso, resultado de la superposición de varias capas de pianos sometidos a diferentes procesos de deformación, entre los que destaca una dinámica desafinación controlada, que contribuye a crear una atmósfera de irrealidad onírica. Desde el punto de vista visual, también se van alternando dos campos visuales contrastantes basados en sendas grabaciones de campo. A esta base visual he añadido algunos elementos ya icónicos extraídos de algunas obras de René Magritte, manipulados y resemantizados como personajes de una trama narrativa visual que se desarrolla en una atmósfera un tanto misteriosa, surreal.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
En camino es la 3ª de una serie de 7 piezas para piano digital, agrupadas bajo el título de Piano álbum. Se trata de una pieza vitalista, cargada de una energía rítmica que se proyecta como una flecha sonora hacia adelante, de manera desenfadada, sin ninguna intención intelectual, desacomplejadamente sencilla en su directa expresión de una extrovertida alegría de sonar.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Oir llover I es una pieza creada con piano digital, y ampliada posteriormente a formato audiovisual. Forma parte de una serie de piezas reunidas bajo el nombre genérico de Piano suite. Desde el punto de vista musical, se trata de una pieza creada a partir de un material muy simple, sometido a un proceso de variación continua, de tal forma que el fluido sonoro es siempre el mismo y a la vez diferente, una especie de monótona melopea indiferente al cambio, aunque sometida a una sutil evolución continua. A partir del segundo 41, el sobrio material expuesto al principio se expande polifónicamente con las ondas invertidas del mismo material, que agregan un color diferente al conjunto, como si el rayo de luz sonora inicial se hubiera difractado en múltiples haces de filamentos sonoros iridiscentes. En su estudiada monotonía, la variación continua del mismo material no pretende ningún contraste ni acontecimiento dramático, sino un puro fluir contemplativo que encuentra su correlato ideal en una danza imaginada de movimientos continuos y regulares. El título hace alusión a una anécdota personal como profesor de improvisación al piano. Realizando una improvisación libre al piano como ejemplificación de esta práctica, al acabar pedí al alumno que describiera con unas palabras la sensación ante la escucha de la pieza, y me respondió diciendo que la sensación que le había producido podía compararse a la de “oir llover”. Esta actitud poéticamente contemplativa es la que me llevó a realizar esta otra pieza que aquí presento. El video está creado enteramente con imágenes realizadas ex profeso para la música, compuestas, reelaboradas y sincronizadas con el sonido. No hay intención descriptiva ninguna en el sentido naturalista en relación al título que sugiere la obra, sino más bien, un fluido de imágenes que, a manera de un friso ininterrumpido, van pasando por delante de nuestros ojos sin estridencias ni contrastes, como si estuviéramos delante de una ventana imaginaria a través de la cual miramos con el único objeto de mirar.
Pedro Linde 2022
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Oír llover II es una pieza creada con piano digital, y ampliada posteriormente a formato audiovisual. Forma parte de una serie de piezas reunidas bajo el nombre genérico de Piano álbum. Desde el punto de vista musical, al igual que su homónima, Oír llover I, se trata de una pieza creada a partir de un material muy simple, sometido a un proceso de variación continua, de tal forma que el fluido sonoro es siempre el mismo y a la vez diferente, una especie de monótona melopea indiferente al cambio, aunque sometida a una sutil evolución continua. Oír llover II es una variación de la I, y también se diferencia de ésta en que al sonido del piano digital usado, no se le ha añadido ningún efecto de edición sonora, como sí se hizo con Oír llover I. Como en su versión I, la pieza transcurre con estudiada monotonía; la variación continua del mismo material no pretende ningún contraste ni acontecimiento dramático, sino un puro fluir contemplativo que encuentra su correlato ideal en una danza imaginada de movimientos continuos y regulares. La actitud contemplativa del acto de oír llover es la sustancia poética que alimenta el devenir musical de estas dos piezas, pero renunciando a cualquier tipo de representación naturalista del fenómeno físico, tanto a nivel sonoro como visual. En vez de ello, este discurrir intenta transmitir un estado de ánimo que transita sin estridencias por paisajes interiores leve pero sutilmente coloreados, como si estuviéramos delante de una ventana imaginaria a través de la cual miramos con el único objeto de mirar. El video está creado enteramente con imágenes realizadas ex profeso para la música, compuestas, reelaboradas y sincronizadas con el sonido.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Las iluminaciones son dos piezas creadas con piano digital. La segunda de ellas es la que mostramos aquí, en formato audiovisual. Ocupa el último lugar de una serie de 7 piezas que recibe el nombre genérico de Piano álbum. Técnicamente está construida a partir de módulos repetitivos intercambiables que combinan dos secciones que se alternan siempre de manera variada. Por su estructura de variación continua, estas piezas podrían visualizarse a la manera de uróboros o cinta de Moebius que podría transitarse hasta el infinito sin solución de continuidad. La temporalidad que refleja es la de los sueños, o sea, un tiempo suspendido que puede dilatarse y contraerse en la psique del escucha desafiando la linealidad habitual de la conciencia temporal cotidiana. Estéticamente, las imágenes que sugiere esta música (para mí, y, por tanto, desde un punto de vista subjetivo), son las de paisajes metafísicos, arquitecturas sumergidas, fluidos que se elevan a borbotones, materias en procesos de formación, irradiaciones misteriosas de sustancias informes en procesos de cristalización, procesos de vulcanología onírica aural… Las imágenes creadas y sincronizadas exprofeso para el video que aquí mostramos responden a esa estética, o al menos, eso pretenden, llevando al plano visual una interpretación de las sugerencias que pueden emanar del devenir sonoro de “Las iluminaciones II”.
Pedro Linde 2023
* Esta pieza, junto con las 6 restantes de la colección Piano álbum, están publicadas en el sello independiente Fortín artesonoro, en el enlace: https://fortin.es/fortin013.htm
Piano álbum es el nombre genérico de una colección de 7 piezas para piano digital sometido a diferentes procesos de edición. Las piezas son:
Allegro cromático (4:18) Diatriba (4:29) En camino (3:46) Oir llover I (6:09) Las Iluminaciones I (6:01) Oir llover II (7:36) Las Iluminaciones II (10:48)
Todas ellas suman una duración total de 41:87
Allegro cromático es una pieza creada utilizando un material muy limitado de manera consciente; repetitiva y percutiva, simple en su obstinado optimismo. Su carácter vivo, alegre y vitalista, depende en gran medida de su ritmo, incisivo y reiterativo.
Diatriba es una obra en forma dialogada en la que dos obstinados interlocutores exponen sus sonoros argumentos contrastando de manera radical.
En camino es una pieza vitalista, cargada de una energía rítmica que se proyecta como una flecha sonora hacia adelante, de manera desenfadada, sin ninguna intención intelectual, desacomplejadamente convencional en su directa expresión de una extrovertida alegría de sonar.
Oir llover I es una obra creada a partir de un material muy simple, sometido a un proceso de variación continua, de tal forma que el fluido sonoro es siempre el mismo y a la vez diferente, una especie de monótona melopea indiferente al cambio, aunque sometida a una sutil evolución continua.
Oir llover II es una variación de la primera, aunque mejor podría definirse simplemente como una continuación.
Las Iluminacionesson dos piezas gemelas que, por su estructura de variación continua, podrían visualizarse a la manera de uróboros o cinta de Moebius que podría transitarse hasta el infinito sin solución de continuidad. La temporalidad que reflejan es la de los sueños, o sea, un tiempo suspendido que puede dilatarse y contraerse en la psique del escucha desafiando la linealidad habitual de la conciencia temporal cotidiana.
Las 7 piezas forman un ciclo que refleja una combinación heterodoxa de registros sonoros que reflejan a su vez una panoplia de estados de ánimo variados, que van desde la alegría y el optimismo vitalista hasta otros de sesgo más introvertido, de una coloración más meditativa, así como registros un tanto misteriosos de resonancias metafísicas.
Los estilos convocados también son heterodoxos, y van transitando desde un minimalismo poco ortodoxo a un difuso impresionismo y una tendencia a la simplicidad como expresión directa y sincera de emociones simples. El lenguaje musical que vehicula dichos estilos no es fruto de indagaciones vanguardistas, sino que, en su aceptada convencionalidad cuasi tonal, se pone al servicio de esa expresividad directa citada anteriormente. Los elementos que manifiestan un mayor grado de originalidad en estas piezas están ocultos bajo la capa de convencionalidad externa, y se relacionan con diferentes procesos de edición y mezcla que hacen que estas obras no se definan tanto como obras para piano, sino, más bien, como piezas electrónicas que usan como instrumento principal el piano digital.
Pedro Linde 2023
Piano album is the generic name of a collection of 7 pieces for digital piano subjected to different editing processes. The pieces are: Allegro cromático (4:18) Diatriba (4:29) On my way (3:46) Oir llover I (6:09) Las Iluminaciones I (6:01) Oir llover II (7:36) Las Iluminaciones II (10:48) All of them have a total duration of 41:87. Allegro cromáticois a piece consciously created using a very limited material; repetitive and percussive, simple in its dogged optimism. Its lively, happy and vital character depends to a large extent on its incisive and repetitive rhythm. Diatribais a work in dialogue form in which two obstinate interlocutors present their resounding arguments in radical contrast. En caminois a vitalist piece, charged with rhythmic energy that is projected forward like a sonorous arrow, in a casual way, without any intellectual intention, uncomplicatedly conventional in its direct expression of an extroverted joy of sounding. Oir llover I is a work created from a very simple material, subjected to a process of continuous variation, in such a way that the sound flow is always the same and at the same time different, a kind of monotonous melopea indifferent to change, although subject to to a subtle continuous evolution. Oir llover II is a variation on the first, although it could best be defined simply as a continuation. Las iluminaciones are two twin pieces that, due to their continuously variable structure, could be visualized in the manner of ouroboros or Moebius strip that could be moved to infinity without a solution of continuity. The temporality they reflect is that of dreams, that is, a suspended time that can expand and contract in the listener’s psyche, challenging the usual linearity of everyday temporal awareness. The 7 pieces form a cycle that reflects a heterodox combination of sound registers that in turn reflect a panoply of varied moods, ranging from joy and vital optimism to others with a more introverted bias, with a more meditative coloration, as well as as somewhat mysterious records of metaphysical resonances. The summoned styles are also heterodox, and they go from an unorthodox minimalism to a diffuse impressionism and a tendency towards simplicity as a direct and sincere expression of simple emotions. The musical language that conveys these styles is not the result of avant-garde investigations, but rather, in its accepted quasi-tonal conventionality, it is put at the service of that direct expressiveness mentioned above. The elements that manifest a greater degree of originality in these pieces are hidden under the layer of external conventionality, and are related to different editing and mixing processes that mean that these works are not defined so much as works for piano, but rather as works for piano. as electronic pieces that use the digital piano as the main instrument.
“Las ciudades invisibles” es una videocreación que utiliza como hilo conductor la narración de los 5 primeros capítulos de la obra homónima de Italo Calvino, los correspondientes a las ciudades imaginarias de Diomira, Isadora, Dorotea, Zaira y Anastasia. Dicha alocución, a cargo de Sara Missaglia, va acompañada de la correspondiente narración visual y musical, compuestas ambas por Pedro Linde para la ocasión.
“Nébula” es una obra para video con audio embedded creado, en su parte visual, a partir de una suite de imágenes digitales creadas y animadas por el autor. En su parte sonora, se trata de una pieza creada a partir de sonidos electrónicos procedentes de diferentes sintetizadores, más las grabaciones de la voz del propio autor, sometidas a diferentes procesos de edición digital.
Pedro Linde, Enero de 2022
«Nébula» is a work for video with Audio Embedded created, in your visual part, from a suite of digital images created and animated by the author. In its sound part, it is a piece created from electronic sounds from different synthesizers, plus the voice recordings of the author’s own voice, subjected to different digital editing processes.
“The mask of the red death” es un audio-relato construido a partir del cuento homónimo de E.A. Poe. Para ello hemos contado con la grabación que generosamente nos ha cedido el autor de dicha locución, Chuck Brown, realizada en 2008.
La obra en su formato de audio está hecha con la referida locución del texto en su lengua original (inglés), sometida a diferentes procesos de edición, y la música que lo acompaña, compuesta al efecto utilizando diferentes recursos electroacústicos.
Aunque la obra fue concebida originalmente en formato audio, y es, por tanto, autosuficiente en dicho formato, presentamos esta versión en video con subtítulos, para favorecer la comprensión del texto en el caso de receptores no angloparlantes.
The work we present is an audio-story built from the homonymous story of E.A. Poe. For this we have counted on the recording that has generously given us the author of said speech, Chuck Brown, made in 2008.
The work in its audio format is made with the aforementioned speech of the text in its original language (English), subjected to different editing processes, and the accompanying music, composed of the effect using different electroacoustic resources.
Although the work was originally conceived in audio format, and it is, therefore, self-sufficient in said format, we present this video version with subtitles, to favor the understanding of the text in the case of non-English spearings.
Duración: 27:52 min.
Relato: Edgar Allan Poe. Publicado por 1ª vez en 1842.
Rayuela 68 es una obra basada en el audio de la lectura que el propio Julio Cortázar hiciera de este capítulo de su novela. En su formato sonoro, se trata del propio audio de Cortázar mas la estructura musical con la que dialoga, creada a partir del uso de diferentes sintetizadores. En su formato audiovisual, la pieza musical está acompañada por imágenes de diferentes fuentes compuestas a modo de collage.
Se ha respetado el texto íntegro, pero trastocando el orden original de las frases por otro nacido de una de las permutaciones azarosas a las que fue sometido, con el objeto de potenciar sus posibilidades polisémicas, y siguiendo uno de los recursos más apreciados de la técnica cortazariana, consitente en su propuesta, explícita en Rayuela, de poder leer el texto en diferentes combinaciones de capítulos.
Esta apertura de sentido por permutación del orden resulta amplificada en el caso del capítulo que nos ocupa, por la propia naturaleza del texto, consistente en el uso de un vocabulario de términos inventados por el autor, que sin embargo, se articulan de manera lógica en la estructura sintáctica del idioma. El uso de dichos términos inventados destruyen por una parte la interpretación unívoca de su sentido, poniendo en manos de la imaginación del receptor las infinitas posibilidades semánticas que cada cual puede imaginar en función del poder de sugerencia del texto, de las sutiles analogías que cada cual puede establecer en función de sus experiencias personales, etc. , eso si, dentro del contexto semántico de carácter erótico que emana del propio texto.
La parte sonora hace un uso abundante de deslizamientos de frecuencia, en consonancia con la labilidad del texto, así como de múltiples recursos de color sonoro, también relacionados con la riqueza de colores fonéticos con los que está configurado el texto. Las sorpresas sonoras en la articulación formal están relacionadas a su vez, con la sorpresa y el asombro que producen determinadas combinaciones textuales en el fluir de este torrencial, vitriólico, volcánico e hiperbarroco discurso, preñado en su ambiguo sentido, de tantas sugerencias como receptores tenga la obra.
Rondó roto se abre con un diálogo de motivos sencillos que se van alternando en el piano, a modo de preguntas, sobre una base electrónica que sugiere un paisaje sonoro acidulado. Tras escucharse una especie de llamada en tonos agudos, empieza a latir una percusión grave como los pulsos de un corazón, sobre los que emerge una masa de voces fantasmagóricas que entonan una letanía que se envuelve en las brumas de su niebla metafísica (el humo del “Fumeux fume”) . Una marea sonora de una labilidad deletérea que va derramando sus cromosomas cromáticos por un abismo del tiempo que conecta las delicuescencias experimentales del Ars Subtilior con el tiempo presente y sus futuras resonancias en el laberinto del tiempo.
Vuelve el piano en su 2ª intervención, ahora con un carácter más meditabundo, en repetitiva secuencia rítmica y minimalista sucesión armónica, sobre un fondo de cristal sonoro molido, con sugerencias metafóricas de un cosmos resonante donde la presencia humana representada por el piano se pierde en su insignificancia ontológica. Un interludio reflexivo que vuelve a dejar paso a la fantasmática amalgama de voces góticas transfiguradas de la sección vocal que representa el estribillo de la pieza.
Regresa, por último, la presencia del piano en su tercera intervención, primero en forma de obsesiva repetición rítmico-armónica que recuerda su segunda intervención, y por último, mutando en una especie de progresión ascendente que representa la dirección de una voluntad, una voluntad anhelante que sube la temperatura emocional del canto pianístico como si con ello pudiera alcanzar la cima de alguna respuesta. Los cuatro acordes finales, en perfecta soledad, suenan a otras tantas campanadas que sólo encuentran el sentido, o el abandono resignado de su búsqueda, en el recogimiento del lugar más apartado de la intimidad.
Pedro Linde, Octubre de 2020
Rondo roto opens with a dialogue of simple motifs that alternate on the piano, like questions, on an electronic basis that suggests an acidulous soundscape. After hearing a kind of high-pitched call, a low percussion begins to beat like the pulses of a heart, over which a mass of phantasmagoric voices emerge, singing a litany that is enveloped in the mists of its metaphysical fog (the «Fumeux fume»). A sound tide of deleterious lability that spills its chromatic chromosomes through an abyss of time that connects the experimental deliquescences of the Ars Subtilior with the present time and its future resonances in the labyrinth of time. The piano returns in its 2nd intervention, now with a more meditative character, in a repetitive rhythmic sequence and minimalist harmonic succession, on a background of ground sound glass, with metaphorical suggestions of a resonant cosmos where the human presence represented by the piano is lost in its ontological insignificance. A reflective interlude that once again gives way to the ghostly amalgam of transfigured Gothic voices of the vocal section that represents the chorus of the piece. Finally, the presence of the piano returns in its third intervention, first in the form of an obsessive rhythmic-harmonic repetition that recalls its second intervention, and finally, mutating in a kind of ascending progression that represents the direction of a will, a will. yearning that raises the emotional temperature of piano singing as if it could reach the peak of some response. The final four chords, in perfect solitude, sound like so many bells that only find meaning, or the resigned abandonment of their search, in the seclusion of the most remote place of privacy.
“Manifiesto Molinetti” es una pieza sonora, ahora editada en vídeo, creada como homenaje a tres personajes vinculados por su desempeño musical y por su apellido: Miguel de Molina, Antonio Molina, y Miguel Molina Alarcón, los dos primeros, icónicos cantantes de los años 50 y 60, y el tercero de ellos, catedrático de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia e infatigable investigador musical especializado en las vanguardias.
La obra está compuesta con la técnica de collage a partir de múltiples fragmentos relacionados con el objeto de estudio preferente de Miguel Molina Alarcón, con fragmentos canoros de los Molina cantantes, modificados y superpuestos, mas aportaciones sonoras propias (sintetizadores y samples diversos).
Teniendo en cuenta que el principal objeto de estudio de Miguel Molina Alarcón son las vanguardias musicales y artísticas de las primeras décadas del pasado siglo, y muy especialmente la investigación de los inventos e innovaciones sonoras de Juan García Castillejo, la paleta sonora seleccionada para dar forma a este proyecto ilustra un paisaje sonoro que se inicia con el ambiente de locura caliginosa de un Gómez de la Serna y sus lisérgicas galleras. A ello se suman las voces de los dos emblemáticos cantaores de coplas que comparten apellido Molina, y que representan las dos caras de la difusión musical popular en la España de posguerra: la exitosa por virtuosística en sus almibarados y barrocos melismas canoros de Antonio Molina, asimilado por el régimen y el gusto popular, y la cara B representada por Miguel de Molina, voz de dramáticos tintes que refleja la amargura de la exclusión, la persecución y el exilio forzoso.
El Electrocompositor del cura Castillejo no podía dejar de estar presente, sirviendo como modelo procesual en el propio procedimiento compositivo, y también concretamente a través de un triteclado creado al efecto para esta obra. Fragmentos de la “Ur Sonate” de Switters puntúan diferentes momentos de la pieza con su dadaística incisión junto a las algaradas del monólogo “La mano”, del citado Gómez de la Serna. A ello hay que sumarle las sinuosidades sónicas del Theremín, tan en boga en la época, junto a algunos fragmentos de publicidad que circulaban por la radio; intervenciones ruidistas y máquinas de escribir de resonancia surrealista así como otros objetos sonoros encontrados, completan este delirante palimsesto que pretende ser una píldora concentrada con el sabor agridulce de una época pasada que, sin embargo, sigue nutriendo a la nuestra con tan especiados nutrientes.
Pedro Linde, Málaga 2020.
“Manifesto Molinetti” is a sound piece, now edited on video, created as a tribute to three characters linked by their musical performance and their surname: Miguel de Molina, Antonio Molina, and Miguel Molina Alarcón, the first two, iconic singers of the 50s and 60s, and the third of them, Professor of Fine Arts at the Polytechnic University of Valencia and tireless music researcher specialized in the avant-garde. The work is composed with the collage technique from multiple fragments related to Miguel Molina Alarcón’s preferred object of study, with singing fragments of the singing, modified and superimposed Molina, plus his own sound contributions (synthesizers and various samples). Taking into account that the main object of study of Miguel Molina Alarcón are the musical and artistic avant-gardes of the first decades of the last century, and most especially the investigation of the inventions and sound innovations of Juan García Castillejo, the sound palette selected to shape this project illustrates a soundscape that begins with the environment of caliginous madness of a Gómez de la Serna and his lysergic roosters . Added to this are the voices of the two emblematic singer-songwriters who share the last name Molina, and who represent the two faces of popular musical diffusion in post-war Spain: the successful virtuosity in its syrupy and baroque melismas of songs by Antonio Molina, assimilated by the regime and popular taste, and side B represented by Miguel de Molina, a voice with dramatic overtones that reflects the bitterness of exclusion, persecution and forced exile. The Electrocompositor of the priest Castillejo could not stop being present, serving as a procedural model in the compositional procedure itself, and also specifically through a multiple keyboard created for this purpose for this work. Excerpts from Swit’s “Ur Sonate” punctuate different moments of the piece with its dadaistic incision together with the racket of the monologue “La mano”, by the aforementioned Gómez de la Serna. To this we must add the sonic sinuosities of the Theremin, so in vogue at the time, along with some fragments of publicity that were circulating on the radio; Noisy interventions and surreal resonance typewriters, as well as other found sound objects, complete this delirious palimsesto that pretends to be a concentrated pill with the bittersweet flavor of a bygone era that, however, continues to nourish ours with such spicy nutrients.
El reciente proyecto de Pedro Linde, «Lizard king poems» acaba de ser publicado en el nuevo netlabel FORTÍN SONORO, dirigido por Sarah Vacher, siendo éste su primer registro sonoro. A continuación ponemos el enlace donde se aloja el proyecto completo:
Pedro Linde’s recent project, «Lizard king poems» has just been published in the new netlabel FORTÍN SONORO, directed by Sarah Vacher, this being his first sound record.
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