Se trata de una obra puramente vocal en la que se van alternando un estribillo con varias estrofas.
El título viene sugerido por los cantos imaginarios de las vestales, guardianas del fuego sagrado en la antigua Roma.
El estribillo, rítmico y repetitivo va alternando, como un diálogo interno, con secciones en las que el canto se hace más difuso y ensoñador.
Esta música invita a evocar, desde un ángulo puramente imaginario, un ritual arcaico mediterráneo en el que la voz de las jóvenes vestales celebra la belleza, a través de la simplicidad y la inocencia.
Es la 6ª pieza del CD digital titulado «Archipiélago».
This is a purely vocal work in which a refrain alternates with several verses.
The title is suggested by the imagined chants of the Vestal Virgins, guardians of the sacred fire in ancient Rome.
The rhythmic and repetitive refrain alternates, like an internal dialogue, with sections in which the singing becomes more diffuse and dreamlike.
This music invites us to evoke, from a purely imaginative perspective, an archaic Mediterranean ritual in which the voices of the young Vestal Virgins celebrate beauty through simplicity and innocence.
It is the 6th track on the digital CD titled «Archipelago.»
Es una pieza musical de 4:20 de duración, realizada en 2025. Es la 2ª pieza del CD digital titulado «Archipiélago».
La base de la pieza en un piano digital al que se superponen unas voces que le hacen el contrapunto, mas unos sonidos atmosféricos que van elevando la intensidad del discurso sonoro llegando a su clímax en el último tercio, y desvaneciéndose hasta el final.
Tanto el piano como las voces se rigen por el principio compositivo de la repetición variada. El conjunto representa un fresco sonoro de estilo un tanto minimalista, en el que las dos principales fuentes sonoras evolucionan con sendos ostinatos de evolución continua.
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It is a 4:20-minute musical piece, created in 2025. It is the second track on the digital CD titled «Archipelago.»
The piece is based on a digital piano overlaid with counterpointing vocals and atmospheric sounds that gradually increase the intensity of the soundscape, reaching its climax in the final third and fading away at the end.
Both the piano and the vocals adhere to the compositional principle of varied repetition. The overall effect is a somewhat minimalist soundscape in which the two main sound sources evolve through continuous ostinatos.
Motu proprio es una expresión latina que significa movimiento propio. En este caso, pienso en esta locución como movimiento en el sentido de ritmo, pero también impulso, propulsión hacia adelante; y propio como personal, fruto de una búsqueda interior que ha dado como fruto estas 6 piezas musicales con movimiento propio, que se encadenan con eslabones singulares, formando un conjunto de variedad sonora tornasolada y multiforme. El proyecto se completa con la incorporación de video en algunas de ellas.
Cada pieza expresa un carácter propio e independiente, pero todas ellas forman, sin embargo, un organismo con extremidades complementarias que articulan un conjunto unificado. Cada obra está hecha con un instrumento diferente, aunque el piano digital participa en tres de ellas. Sus títulos dan una idea de esa variedad multiforme de la que hablamos:
1. Frontera de cristal. 5:38
2. Nereidas. 4:54
3. Motu proprio. 4:50
4. Podorozh. 3:17
5. Ama tu ritmo, Chiara. 10:19
6. Despedida. 4:52
La obra se completa con 5 entremeses greguescos que se intercalan a modo de polizones intempestivos entre pieza y pieza o entre vagón y vagón de este tren sonoro, aportando el desvarío que el instrumento electroacústico expresa desde su delirante y experimental atalaya.
Frontera de cristales una pieza que sugiere paisajes abiertos, atmosféricos; amplitudes oceánicas o celestes leídas como un texto sonoro puntuado rítmicamente por un bajo obstinado y pertinaz.
Nereidas envuelve oníricamente al escuchante con unas voces evocadoras de seducciones sensoriales atrapadas en la memoria del mito. Diosas protectoras de los pescadores, no buscan la perdición de éstos como las tóxicas sirenas, sino tan sólo embriagarlos seductoramente. Dedicada a Nerea.
Motu proprio es la pieza que da nombre al conjunto de la obra, y expresa sonoramente ese impulso interior de una voluntad en proceso de avance. Propulsada rítmicamente hacia adelante, no entiendo esta pieza si no está ligada a un movimiento de danza, real o imaginaria.
Podorozh es una pieza creada a partir del sonido del instrumento de origen ucraniano Bandura. La obra, quizás por su motricidad rítmica, me sugiere un viaje que se expresa a través de las cuerdas de la bandura, unas cuerdas que se tensan en una especie de anhelo de infinito. Un andante terso y fibroso que expresa una fuerza de empuje elemental. Podorozh significa viaje en ucraniano.
Ama tu ritmo, Chiara, es una pieza para pianos digitales superpuestos, cuyo título hace alusión al conocido y fascinante poema homónimo de Rubén Darío, más la dedicataria a Chiara. La obra nace así como una invitación a seguir un pulso rítmico propio, un ritmo vital que puede dar sentido a ese reto tan exigente del existir.
Despedida es, como su nombre indica, la última pieza de la serie. Está construida a partir de una serie de acordes pianísticos que se repiten de manera variada a lo largo de toda la obra, en un estilo minimalista sobrio, intimista y delicado. Al soliloquio pianístico inicial pronto se une una voz que va dialogando con el piano en los intersticios de silencio que este va dejando.
“Las ciudades invisibles” es una videocreación que utiliza como hilo conductor la narración de los 5 primeros capítulos de la obra homónima de Italo Calvino, los correspondientes a las ciudades imaginarias de Diomira, Isadora, Dorotea, Zaira y Anastasia. Dicha alocución, a cargo de Sara Missaglia, va acompañada de la correspondiente narración visual y musical, compuestas ambas por Pedro Linde para la ocasión.
“Nébula” es una obra para video con audio embedded creado, en su parte visual, a partir de una suite de imágenes digitales creadas y animadas por el autor. En su parte sonora, se trata de una pieza creada a partir de sonidos electrónicos procedentes de diferentes sintetizadores, más las grabaciones de la voz del propio autor, sometidas a diferentes procesos de edición digital.
Pedro Linde, Enero de 2022
«Nébula» is a work for video with Audio Embedded created, in your visual part, from a suite of digital images created and animated by the author. In its sound part, it is a piece created from electronic sounds from different synthesizers, plus the voice recordings of the author’s own voice, subjected to different digital editing processes.
“Lizard king poems” es una obra realizada con medios electroacústicos basada en la grabación histórica que Jim Morrison realizó a partir de una selección de sus poemas, en Los Angeles / Febrero del 69. El presente video es el tercero de una serie de teasers que anticipan la presentación de la obra completa.
Pedro Linde, Marzo 2020.
“Lizard king poems” is an electroacoustic work based on the historical recording that Jim Morrison made from a selection of his poems, in Los Angeles / February 69. This video is the third in a series of teasers that they anticipate the presentation of the complete work.
«Lizard king poems» es una obra realizada con medios electroacústicos basada en la grabación histórica que Jim Morrison realizó a partir de una selección de sus poemas, en Los Angeles / Febrero del 69. El presente video es el primero de una serie de teasers que anticipan la presentación de la obra completa.
Pedro Linde, Marzo 2020.
«Lizard king poems» is an electroacoustic work based on the historical recording that Jim Morrison made from a selection of his poems, in Los Angeles / February 69. This video is the first in a series of teasers that they anticipate the presentation of the complete work.
«If I told him…»es una obra para electroacústica sobre el poema homónimo de Gertrude Stein (existe una versión con cuarteto de saxofones estrenada en el Museo Jorge Rando de Málaga por el Cuarteto Sinoidal en Julio de 2019).
El poema que da título y sustancia a la obra que presento, fue escrito por Gertrude Stein en el verano de 1923 mientras visitaba a su amigo Pablo Picasso en la Riviera francesa. La grabación del mismo, que sirve de soporte a la obra, se realizó en Nueva York durante el invierno de 1934/35.El poema se publicó por primera vez en Vanity Fair, en 1924, y posteriormente lo publicó en su colección Portraits and Prayers.Este retrato de Picasso representa una respuesta poética a ese otro retrato pictórico que Picasso dedicara a Gertrude, en 1906. Se trataría, por tanto, de un diálogo intertextual entre los dos artistas.La técnica literaria del poema de Gertrude sorprende por su radical modernidad: se trata de una escritura que trata de incorporar el cubismo a la literatura. Su método expresivo y estructural, denominado Litismo, está basado en la repetición de palabras, y persigue crear un efecto rítmico emparentado con técnicas musicales de composición.
La obra que presento utiliza la grabación histórica del poema de Gertrude, sometida a diferentes tipos de manipulación sonora y compositiva, en una suerte de deconstrucción y reestructuración estructural del poema, que se convierte así en un artefacto sonoro que potencia las cualidades musicales implícitas en la prosodia poética, insertándolo en una estructura polifónica (y por tanto vertical), en la que se desarrollan múltiples recursos de estratificación contrapuntística.Al tratamiento del texto he añadido estratos sonoros procedentes de diferentes sintetizadores, instrumentos virtuales y determinados efectos sonoros. El resultado es un caleidoscopio sonoro donde la prosodia poética, multiplicada polifónicamente, completa un retrato sónico en el que se superponen, a manera de palimsesto, y de manera metafórica, los perfiles creativos de Picasso y Gertrude Stein.
Pedro Linde. Málaga 2019.
«If I told him …» is a work for electroacoustics about the homonymous poem by Gertrude Stein (there is a version with saxophone quartet premiered at the Jorge Rando Museum in Malaga by the Sinoidal Quartet in July 2019).
The poem that gives title and substance to the work I present was written by Gertrude Stein in the summer of 1923 while visiting his friend Pablo Picasso in the French Riviera. The recording of it, which supports the work, was made in New York during the winter of 1934/35. The poem was first published in Vanity Fair, in 1924, and subsequently published in its Portraits and Prayers collection .This portrait of Picasso represents a poetic response to that other pictorial portrait that Picasso dedicated to Gertrude, in 1906. It would, therefore, be an intertextual dialogue between the two artists. The literary technique of Gertrude’s poem surprises with its radical modernity : it is a writing that tries to incorporate cubism into literature. Its expressive and structural method, called Lithism, is based on the repetition of words, and seeks to create a rhythmic effect related to musical composition techniques.
The work I present uses the historical recording of Gertrude’s poem, subjected to different types of sound and compositional manipulation, in a kind of deconstruction and structural restructuring of the poem, which thus becomes a sound artifact that enhances the musical qualities implicit in the poetic prosody, inserting it into a polyphonic (and therefore vertical) structure, in which multiple counterpuntal stratification resources are developed. When treating the text I have added sound strata from different synthesizers, virtual instruments and certain sound effects. The result is a sound kaleidoscope where the poetic prosody, multiplied polyphonically, completes a sonic portrait in which the creative profiles of Picasso and Gertrude Stein overlap, as a palimsest, and metaphorically.
Interpretación de mi obra «Rondó Prometeo», para electrónica y violín, en la sede de la SGAE de Valencia, el 18 de Noviembre de 2016. La parte del violín fue ejecutada en vivo por Sarah Goldfeather. Esta obra también fue interpretada en Medialab Madrid, y en la Sala Roulette (3º avenida, New York), el 18 de Marzo de 2017.
Interpretation of my work «Rondó Prometeo», for electronics and violin, at the SGAE headquarters in Valencia, on November 18, 2016. The part of the violin was performed live by Sarah Goldfeather. This work was also performed at Medialab Madrid, and at Sala Roulette (3rd Avenue, New York), on March 18, 2017.
Se trata de una pieza en la que el material de partida es una grabación realizada en los pasillos de la Universidad china de Jilin (Changchun). En esta grabación, el móvil de una estudiante china, a través de una app de idiomas, propone una palabra inglesa (“logic”), mientras la estudiante contesta repitiendo esa misma palabra de manera incesante. La pieza vincula la repetición como herramienta de alienación propia del instrumentario del capitalismo materialista, con la oración, artefacto alienador propio del sectarismo religioso, que también se vale de la repetición como forma eficaz de imposición dogmática. Por supuesto, queda fuera de esta crítica el uso liberador que pudiera tener la oración en un contexto no sectario, como técnica de ampliación de la conciencia, desarrollo personal, etc.
La pieza, en su versión cuadrafónica, fué estrenada el pasado 26/11/2016 en el Conservatorio Superior de Málaga, en el contexto de las XXIII Festival Internacional de Arte Sonoro y Música Electroacústica «Punto de encuentro», organizado por la AMEE (Asociación de Música Electroacústica y Arte Sonoro de España).
It is a piece in which the starting material is a recording made in the corridors of the Chinese University of Jilin (Changchun).In this recording, the mobile of a Chinese student, through a language app, proposes an English word («logic»), while the student answers repeating that same word incessantly.The piece links repetition as a tool of alienation proper to the instrumentality of materialistic capitalism, with prayer, alienating artifact of religious sectarianism, which also relies on repetition as an effective form of dogmatic imposition.Of course, the liberating use of prayer in a non-sectarian context, as a technique of expanding awareness, personal development, etc., is outside of this criticism.
The piece, In its table version, was released on 11/26/2016 at the Conservatorio Superior de Málaga, in the context of the XXIII International Festival of Sound Art and Electroacoustic Music «Meeting Point», organized by AMEE Of Electroacoustic Music and Sound Art of Spain).
«Dos colores» es una videocreación fruto de la colaboración entre la poeta experimental Inma Bernils, y el artista sonoro y visual Pedro Linde. La parte sonora está construida a partir de una improvisación vocal de Inma Bernils, sobre un fondo sonoro electrónico de Pedro Linde. La parte visual está editada a partir de formas geométricas generadas y grabadas a tiempo real por Pedro Linde.
«Two colors» is a videocreation result of collaboration between the experimental poet Inma Bernils, and sound and visual artist Pedro Linde. The sound part is constructed from a vocal improvisation Inma Bernils on an electronic ground by Pedro Linde. The visual part is edited from geometric shapes generated and recorded in real time by Pedro Linde.
(…) esta «improvisación a manera de polución nocherniega», como la describe el propio autor, es un aforismo musical sobre el tiempo. Al menos eso es lo que sugiere ese extraño tapiz sonoro entretejido con unas primeras gotas de notas, con un martillear constante que, al progresar, se complica, se retuerce y se vuelve cantera de tiempo, barroca cantera del tiempo (sudorosos obreros laboran en su entraña). Finalmente, hay un retorno al orden, a un «orden de orden mineral», afirma juguetonamente el Dr. Padilla. Aforismo musical sobre el tiempo en tres tiempos. (Bustos Padilla es doctor en Filosofía y Catedrático de Metafísica aplicada a la Sonología por la Universidad Lusófona de Lisboa).
El título de la pieza, “Imágenes del mundo flotante”, es la traducción de “Ukiyo-é”, género de estampación y estilo artístico característico de Japón desde los S. XVII al XIX, y caracterizado por una captación más naturalista de la realidad, entendida ésta como fenómeno cambiante y polimorfo, frente a un arte más arcaico de raigambre aristocrática y naturaleza más simbólica, estática y ritual.
Tanto el sonido como las imágenes de la pieza que presento, intentan reflejar esa realidad cambiante, frágil y huidiza hasta parecer inaccesible, del fluido vital en el que nos hayamos inmersos. La inmutabilidad de las certezas y los grandes principios esenciales del pasado dejan paso a la contingencia, la ambigüedad categorial, el espejeo de las apariencias y el flujo de informaciones cambiantes en el caleidoscopio de la realidad expandida de la era digital, con lo que todo ello conlleva de angustia pero también liberación en lo que a experiencia existencial del individuo se refiere.
La pieza se divide en 3 secciones muy contrastadas. La primera y la última utilizan la voz procesada para transmitir un juego libre de sensaciones fluctuantes, en el que los sentidos movilizan un complejo universo de microsonidos de naturaleza infraleve. Visualmente, ello está apoyado por una especie de danza multifocal de puntos que evolucionan en un espacio flotante.
En la segunda sección la voz da paso a una serie de sonidos/ruidos de naturaleza deshumanizada que transmiten una sensación de interferencia, la otra cara de la experiencia ontológica del mundo cambiante en el individuo actual, la parte de la angustia por la pérdida de asideros que den alguna seguridad o sentido a nuestra deriva existencial. Visualmente, violentos choques de luz disparada agresivamente se convierten en una metáfora de la sensación de desconcierto vital a la que está sometido el hombre en esta tormenta desesperada que llamamos vida.
En las entradas anteriores figuran las 7 piezas que conforman la «Suite eleusina».
Esta obra fue estrenada el 4 de Mayo del 1013 en el Centro Cultural Vicente Aleixandre de Alhaurín de la Torre, en el ámbito de las VII Jornadas de Música Contemporánea celebradas en dicha localidad.
En la pestaña superior que abre la página «Suite eleusina» podéis acceder a las piezas ordenadas, asi como un texto explicativo de la obra.
Esta última pieza que cierra el ciclo de la «Suite eleusina» con el número VII, describe musicalmente, a modo de conclusión general, el estado de purificación posterior a la experiencia extrema de muerte-resurrección, o sea, de inmersión místico-simbólica en el misterio de la naturaleza y su eterno ciclo de creación-destrucción.
La pieza está construída con medios exclusivamente electrónicos. El vídeo, editado por P. Linde, está hecho a partir de fotografías digitales del propio autor, mas una escena de vídeo anónimo, manipulada para la ocasión.
«Dromena» es la 3ª pieza de la «Suite eleusina», y en ella se ilustra musicalmente la danza ritual en la que escenifica la cópula entre Deméter y el sacerdote o hierofante, según los Misterios de Eleusis.Musicalmente está construída íntegramente con sonidos producidos electrónicamente.El vídeo, editado por P. Linde, utiliza imágenes provenientes de la performance «Apparition», de Klaus Obermaier & Ars Electrónica Future Lab.
La presente pieza, Legomena, es la número VI de la Suite eleusina, y hace referencia a la fase de los Misterios de Eleusis donde se revelaban breves fórmulas rituales y litúrgicas que explicaban el simbolismo de los ritos. Se narraban historias que transmitían a los iniciados un saber exclusivo y superior.
Musicalmente, se trata de una pieza eminentemente vocal creada a partir de la grabación de mi voz, sometida a modificaciones a través de un procesador vocal. El texto está formado por una serie de sílabas y vocales improvisadas en el momento de la grabación, subrayando en su falta de semanticidad el carácter enigmático y secreto de estos rituales mistéricos, a la vez que potencia una polisemia imaginaria.
El montaje visual lo he hecho a partir de la selección y transformación de algunas imágenes tomadas del vídeo The Sonoran desert, escrito y producido por Sean Morris para la National Geographic Television.
«Kykeon» es la 2ª pieza de las 7 que conforman la «Suite eleusina», e ilustra musicalmente el tránsito del iniciado a un estado de conciencia alterado, vehiculado por la ingesta del Kykeon, o bebida hecha a partir del cornezuelo de centeno, el psicodélico LSD en su versión más moderna y underground. Musicalmente, la pieza está construída con medios exclusivamente electrónicos. El videomontaje, editado por P. Linde, está hecho a partir de las fotografías de máscaras de la casa de James Ensor, asi como de algunas secuencias del vídeo «Oedipus reloaded», de Klaus Obermaier.
«Inmersión» es la primera pieza de la «Suite eleusina»; en ella se ilustra musicalmente la primera fase de iniciación propia de los «Misterios de Eleusis», en la que el aspirante a iniciado se somete al ritual de purificación, oficiado mediante la inmersión acuática.
La música está compuesta exclusivamente con medios electroacústicos. Las imágenes proceden de diversas fuentes, la mayoría son fotos propias manipuladas, así como dos secuencias extraídas del vídeo Further, de Chemical Brothers.
En esta 2ª entrega os presento la pieza intitulada “Limbo”, parte IV de la “Suite eleusina”.
Como veréis, el orden de presentación de las piezas no es consecutivo, ya que el proceso compositivo, en este caso, no es lineal. Se tendrá una visión de conjunto de la Suite cuando estén completadas las 7 partes que la conforman, que iré colgando en los próximos meses.
El título de esta pieza hace alusión a la fase del ritual mistérico en la que, después de la ingesta de la bebida ceremonial alucinógena Kykeon, el iniciado entra en un estado extático de disolución dionisíaca de la conciencia individual en la totalidad.
La pieza está hecha a partir de la grabación de mi voz, sometida a varios procesos de manipulación digital. Los sonidos percutivos también están grabados con micrófono, aplicándole diversos efectos.
Las imágenes proceden de un cuadro mío perteneciente a la colección “El paisaje revelado”, fragmentado y animado como presentación.
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